PEDRO SANDOVAL, EL ARTISTA

GRAZZIANA LA ROCCA

Crítica internacional de arte Julio 2007

En el año 2001, la situación política y económica de Venezuela aunada al permanente espíritu inquieto de Pedro Sandoval, lo obligan a marcharse del país en búsqueda de nuevos horizontes. En ese momento no le importó abandonar la familia y un maravilloso taller; el deseo de ver otras cosas, de superarse a sí mismo, de enfrentarse a nuevos retos, fue más fuerte.

Escogió a España como su nuevo hogar y, al poco tiempo de llegar, se instala en el centro de Madrid, allí comienza una nueva labor, tal vez más difícil que pintar: relacionarse con el entorno geográfico, con nuevas personas, hacer nuevos amigos, buscar galerías.

El reto mayor fue demostrar que es un artista con A mayúscula y así lo hizo cuando exhibió en una galería madrileña su serie “Tauromaquia” y más tarde sus pinturas abstractas.

Introducir a Pedro Sandoval dentro de una tendencia o identificar la filiación de sus imágenes, se nos dificulta bastante porque él va entretejiendo lo conocido con lo desconocido, lo viejo con lo nuevo, y el resultado es la prolongación de si mismo. Si insistimos, podríamos ubicarlo dentro de esa post-vanguardia que desea vehementemente que la pintura siga perviviendo y que la emoción presente en el artista pueda ser transmitida con la misma intensidad al espectador de una forma directa y sin ambages. De esta  manera el observador establece una relación cognoscitiva y participativa tan estrecha con la obra que se le imposibilita sustraerse al atractivo táctil de las telas.

Sandoval, a diferencia de otros artistas de la post-vanguardia posee un gran oficio y un don especial para pintar.  Ese oficio le posibilita  crear signos, símbolos y metáforas entremezcladas cuyo resultado es absolutamente fascinante. Los signos que emplea forman una unidad vital y son, al mismo tiempo, ayudas maravillosas en la creación de esa unidad.Sandoval emplea un repertorio de signos para  organizar su imaginación en significados de términos visuales; va formulando el primer concepto y de éste emergen nuevos problemas, nuevas posibilidades, nuevos retos para ser resueltos. Cualquier solución es un punto de partida  para ser resuelta inmediatamente y luego resolver la siguiente, de esta manera va abriendo el camino para aproximarse a la creación de nuevos signos.

Cada fase de su trabajo está dominada por símbolos de metamorfosis e inestabilidad, entendida ésta como transformación e investigación de su propia obra.

Para este joven artista la investigación de la obra va más allá del desarrollo de signos y símbolos, se preocupa también por el  comportamiento de los materiales en la obra, ( elemento éste que con el tiempo se ha convertido enotra de sus características  fundamentales) pues esos materiales  empleados de manera inadecuada sobre las telas, producen, a la larga, efectos insospechados y la obra podría deteriorarse con facilidad y convertirse en algo efímero.

Pedro Sandoval, preocupado por la permanencia de sus obras, emplea productos de gran calidad como hicieron los grandes maestros de todos los tiempos, con lo cual  los coleccionistas se aseguran de poseer una obra no sólo excelente en lo que representa sino también en su factura.

Muchos artistas, especialmente los más jóvenes, opinan que  una obra debe hacerse con rapidez y empleando materiales de cualquier tipo. Nada  más lejos de la verdad. Un artista que se considere como tal debe pensar en el receptor de su trabajo y para ello debe investigar sobre cuáles materiales habrá de emplear para que su obra sea perdurable.

Sandoval, desde sus comienzos , siempre  tuvo un profundo respeto por los materiales plasmados sobre las telas y es por ello que nunca escatimó en emplear los mejores y, de esta manera, obtener resultados óptimos en  cada obra.

Sus primeros trabajos fueron los “Bodegones”, una pintura de género que data de muchos siglos y el artista que se dedica hoy día a esta temática, corre el riesgo de no insertarse adecuadamente en el arte del siglo XXI.En ellos predominaban los fondos texturizados y las formas distorsionadas.Tanto en sus primeros bodegones como los subsecuentes, Sandoval logró nuevos efectos pictóricos y dibujísticos. En ellos las texturas y el color formaban parte del tema central de las telas y la línea dibujística otorgaba a los elementos plasmados una vitalidad insospechada y una gran sobriedad.

Esta temática fue trabajada por el artista durante varios años hasta que, temeroso de encasillarse y de caer en el estereotipo decidió cambiar.Sandoval se ha preocupado por repensar la función del lenguaje visual como metodología específica para organizar un nuevo uso de los signos artísticos.Este pintor va en búsqueda de lo que para él es el arte: libertad, y dentro de ella va creando. Por eso no cree en modas o estilos preconcebidos, más bien sus temas de inspiración los halla en sus viajes, en los lugares que visita, en las cosas que mira. Observa acuciosamente lo que hay en su alrededor y cualquier pequeña escena puede convertirse para él en la plasmación de un tema en una serie de telas.Sandoval pone en evidencia los atributos de la superficie de las telas: color, soporte, y a la vez, evidencia los signos pictóricos que constituyen el puro y simple espacio pintado.

Esas superficies, que pueden ser una prolongación de la mano y del pincel del pintor, suelen ser muy trabajadas con modulaciones de colores y texturas en el fondo, produciendo así  efectos visuales engañosos que obligan al espectador a creer que aquello que ve es abstracto y, sin embargo, de esa pasta emergen figuras ambiguas cuyos escorzos recuerdan a ciertos artistas del Renacimiento, como ocurre en la serie “Masada”(1999). Aquí la figura humana como icono, como reverberación simbólica, se nos va revelando en esas superficiesEn su bodegones, en  “Masada”(1999) , en “Trashumantes”(2000) en “Tauromaquia” (2003)el color era un elemento fundamental para estructurar y destacar el objeto sobre el fondo, ahora el fondo se confunde con la forma.

Las texturas adquieren tanta importancia que pueden ser comparadas con un relieve del que emergen esas inquietantes pero muy sólidas figuras. Las texturas contribuyen a producir una marcada sensación de profundidad, movimiento y dinamismo.Sin embargo, ya en “Tauromaquia” comenzó a elaborar algunas telas de manera diferente al eliminar los fondos pastosos y texturizados  dejando las formas sobre las telas como si estuvieran flotando, como si hubiesen perdido peso mas no relevancia.Sus telas están permeadas de un carácter intelectual mas no de un concepto ilustrativo.

Poseen fuerza, rango emocional y, en ocasiones, la arbitrariedad del temperamento artístico. Su cualidad estética primaria es la frescura; el frescor de los objetos y de las figuras que aparecen en los sueños sin producirnos miedo.Pedro Sandoval se revela a sí mismo como artista frente al mundo y, específicamente, expresa su propia esfera de interés.

Su trabajo no es más que una extensión de sí mismo y, a través de la obra, busca establecer un puente de unión con su entorno, ya que la manera como él percibe el mundo no solamente juega un rol importante en el orden práctico de su vida, sino que tiene un especial significado en la apreciación de su obra.Más aún, el espectador se identifica, imaginariamente, con el objeto que está representado sobra la tela, porque proyecta sobre ese objeto sentimientos que ya ha experimentado, posiblemente inconscientemente, al momento de percibir la obra.Pedro Sandoval puede ir de un tema a otro sin mayor dificultad porque maneja con maestría la técnica de la pintura y en cualquiera de los temas que trabaja percibimos su huella, ya sea en el color, las texturas, la pincelada o en el contorno de las líneas.

ENTRAMADOS EXPRESIONISTAS

Desde que Vassily Kandinsky elaboró la primera obra abstracta, allá por 1910, infinidad de artistas se han abocado a la búsqueda de lenguajes dentro de esta tendencia, sea en pintura, en escultura y hasta en arquitectura.Muchos movimientos y muchas escuelas se han producido desde entonces y, de cada uno de ellos, han surgido otros y cada vez proponiendo nuevas maneras de hacer y de ver.Kandinsky descubrió que los colores tenían vida propia y la vida de los colores fue la gran protagonista en la obra de este artista, y en particular de su primera etapa.Kandinsky no aplicaba la ley de los contrastes simultáneos sino que la comprobaba sirviéndose de dos colores como de dos fuerzas manejables que se pueden restar o sumar.

Dio pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color; no se interesaba por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.Kandinsky no concebía el color en sus aspectos materiales y físicos, sino en su efecto emocional. Según él la realidad sólo podía ser comprendida mediante la intuición creativaLa obra de  Kasimir Malevitch se caracteriza por una supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura en las artes figurativas: es un nuevorealismo pictórico. Es un arte liberado de fines prácticos y estéticos, la abstracción pura, expresada con figuras geométricas prescindiendo de la apariencia de los objetos.Malevitch realizaba una pintura que permitía captar formas y color, pero que no evocaba asociaciones ni sentimientos.

Pretendía expresar “estados puros” de conciencia e inconciencia no  alterados por pensamientos reales.La pintura de Piet Mondrian nos ofreció algo completamente diferente y novedoso: un mundo universal del que desapareció todo lo que podía ser trágico y conflictivo. Su obra se eleva hacia un plano superior donde todo es armonía. Es, por lo tanto, una concepción analítica y esencialista de la pintura, una búsqueda de un arte que ha de trascender la realidad externa-material- reduciéndola a formas geométricas y colores puros.Mondrian abrió camino para aquellos movimientos que se centraron en la investigación analítica de la forma a través de la abstracción geométrica como fueron el Op-Art, el Cinetismo el Minimal  Art., etc.

Los norteamericanos del Expresionismo Abstracto no solo eliminaron la línea del horizonte y  ocuparon totalmente el campo de visión con lo cual comenzaron a producir la desaparición progresiva de la distancia entre el sujeto y el objeto, sino  que  descubrieron nuevas formas de pintar, nuevos materiales como la arena y, por lo tanto, nuevos lenguajes. Inventaron nuevos modos de aplicar la pintura.Unos se centraron en la búsqueda de la armonía y la belleza , otros se preocuparon  por conseguir la unidad entre el color y la forma. Otros eliminaron los contrastes de luces y sombras y agrandaron la escala de los lienzos con el fin de envolver al espectador en un entorno cromático.Muchos de esos artistas de las vanguardias han servido de inspiración y aprendizaje  para otros, tal es el caso de Pedro Sandoval, quien después de pasar un largo tiempo con la figuración, comenzó a investigar y a estudiar los nuevos movimientos pictóricos  abstractos y  a sus artistas . Fue así que comenzó a enfrentarse a las telas de una manera diferente.Sin embargo, en esta época de globalización y coexistencia, es muy difícil que un artista joven pueda alcanzar la singularidad y ser totalmente inédito porque vivimos un momento en que lo nuevo, lo novedoso, dejó de ser un criterio para juzgar la obra de arte.

Ya sabemos que todo ha sido hecho y todo lo que les queda a los artistas es tomar múltiples fragmentos y combinarlos y recombinarlos de forma tal que produzcan resultados interesantes.El grupo de pintores que más le ha llamado la atención  a Pedro Sandoval, y por el que ha sentido una profunda predilección, ha sido el de los Expresionistas Abstractos norteamericanos, en especial Hans Hoffman , Ad Reinhardt y Barnett Newman. De ellos ha tomado aquello que le ha permitido alcanzar un lenguaje personal con una escritura propia y una obra diferente que encaja perfectamente en este convulsionado siglo XXI, al mismo tiempo ha hecho de su realidad interior y de su imaginación algo tangible y visible.Sandoval incursionó en la pintura abstracta realizando telas de grandes formatos ( Pintura & Pintura,2004) sobre las cuales predominaba la materia pictórica, donde los colores interaccionan produciendo efectos visuales insospechados y donde  recrea el color a su antojo.

En una nueva serie abstracta, presentada en Madrid en 2006 y que llevó por título “Work in Progress”, la pincelada se amplió, los brochazos se desplazaban horizontal y verticalmente recordando paredes, muros. Las formas horizontales y verticales creaban una sensación de infinitud en el plano pictórico.Su  deseo por la investigación lo ha llevado a la ejecución de una nueva obra que nos sorprende por lo diferente. Una nueva producción en la que  ha habido un cambio en la forma de trabajar y de representar. Han desaparecido los fondos texturizados para darle paso a fondos con una clara  presencia de lo gestual  donde destacan las veladuras, las transparencias y sobre esos fondos  la líneas dibujísticas se hacen presentes para cerrar formas geometrizadas de un reverberante color rojo en la que sigue predominando la textura, elemento éste que caracteriza toda la obra de Sandoval.Pedro Sandoval construye formas geometrizadas monocromáticas simples sobre fondos profusamente trabajados en tonos ocres, grises y tierras que hacen ese fondo más complejo, pero en ningún momento el artista pretende convertir el fondo en figura y la figura en fondo o unificar motivos en principio opuestos. Al contrario el contraste permite que las formas asuman vida propia, se muevan en el espacio determinado por la tela y, a su vez, proyecten nuevas formas internas.Esas formas parecen poseer entidad en sí mismas sin que exista en ellas ningún tipo de expresión individual. 

Sandoval desborda los límites de la individualidad y va creando formas que se apoyan sobre las posibilidades de rasgos estrictamente plásticos: el ritmo, el dinamismo de la pincelada sobre la superficie de la tela, la determinación del espacio, el contraste cromático, etc.Las formas geométricas están cargadas de tactilidad y ésta afecta directamente la condición del plano pictórico puesto que implica la presencia de un volumen que destaca sobre un fondo, una figura que podríamos tocar, es decir, que tenemos la sensación de que pueda tocarse. De esta manera se produce un contacto  del espectador  con el cuadro que no es tan solo visual sino especialmente táctil.Pedro Sandoval en su incansable deseo de ser, si no totalmente original, por lo menos diferente, ha logrado destacar y sobresalir, ello gracias a la constante investigación que ha venido realizando sobre el comportamiento de los materiales pictóricos y extrapictóricos, porque la investigación de los nuevos materiales es uno de los elementos secretos que conforman su trabajo.

ENTREVISTA CON PEDRO SANDOVAL

Graziana La Rocca:

Tú comenzastes a dibujar y pintar desde muy pequeño, para ti significó algo importante hacerlo o lo hacías porque te era fácil?

Pedro Sandoval:

Lo hacía porque era algo natural en mi. Después de ganar un concurso de pintura en el colegio me regalaron una caja de colores y allí prácticamente comenzó todo. Desde muy pequeño me gustaba embadurnarme las manos con las pinturas.

GLR:

A qué edad fuiste  formalmente a una escuela para aprender a pintar?

PS: 

Si mal no recuerdo fue como a los 15 años, que fue el momento en que decidí que solamente quería pintar. Asistía a la Escuela “Cristóbal Rojas”. Al tiempo la abandoné porque los profesores me obligaban a copiar y yo no quería hacer eso. Luego me fui a Nueva York y más tarde a Suiza, donde trabajé un tiempo en el taller de Baseliz y luego regresé a Venezuela.

GLR: 

Qué es lo que más te gustó hacer en la Escuela de Bellas Artes: pintura, dibujo, escultura?

PS:

Siempre me gustó la pintura, el gesto de pintar, los óleos, los linos. Nunca me interesé por otras expresiones. Confieso que incursiono en la acuarela, pero yo soy un pintor en el estricto sentido de la palabra, no soy ni siquiera dibujante.

GLR:

Durante cuánto tiempo asististes a la escuela a formarte como artista? Cuáles fueron los profesores que más te ayudaron en tu formación de manera directa y cuáles artistas te han influenciado indirectamente?

PS: 

En la escuela estuve casi dos años y allí tuve buenos profesores como Edgar Sánchez, quien hoy día es un artista muy reconocido en nuestro país, y Roberto González, ambos me ayudaron mucho , pero me considero un artista autodidacta. He estudiado a los grandes maestros de la pintura de todos los tiempos, pero también he investigado la obra de Picasso, Malevitch, Barnett Newman, Hans Hoffman y, por supuesto, nuestro gran Armando Reverón, especialmente en sus juegos de luces y los materiales. Uno de los artistas que me gusta mucho es Morandi con su forma de componer, sus colores. Nunca he buscado parecerme a nadie, tengo influencias de todos los artistas.Todo lo que he aprendido ha sido por mí mismo.

GLR: 

Durante mucho tiempo fuiste un artista figurativo,  cómo  te iniciastes en la abstracción?

PS:

Considero que siempre me ha interesado la abstracción. Desde muy joven me sentí atraído por ella No incursioné en esa fórmula porque consideraba que no era muy fácil; creía que debía practicar dentro de la figuración para lograr un lenguaje personal y luego, poco a poco, una vez dominadas las técnicas, entonces meterme de lleno y experimentar nuevas formas. De hecho, para hacer abstracción hay que buscar y lograr unlenguaje que te haga diferente, que te identifique.La abstracción me da la posibilidad de ser más yo mismo. Te obliga a pensar más en cambio con la figuración es más sencillo: todo está allí y el espectador se siente identificado; le es más fácil comprender lo que está plasmado en el lienzo, en cambio con la abstracción no sucede eso, el espectador se ve obligado a pensar , a descubrir lo que allí hay.

GLR: 

Cómo llegastes a la abstracción?

PS: 

Tengo mucho tiempo investigando sobre las Transvanguardias y el Arte Povera y ello me ha llevado a construir un nuevo lenguaje, una manera de representar, de comunicarme; lo importante es sentirse bien con lo que se hace y yo me siento bien conmigo mismo.Realmente comencé en 1994 cuando estaba en Nueva York, pero no fue sino hasta 1999 cuando me dediqué de lleno  a hacer abstracción.

GLR:

Dónde te sientes más cómodo, en la figuración o en la abstracción?

PS: 

En la abstracción, porque siento que mi capacidad de comunicar es más pura y más libre, en cambio en la figuración me sentía más atado, más comprometido. Hoy día, para mí, representar las cosas tales como son, es muy aburrido; confieso que en el momento en que en que yo hacía figuración  ésta era muy distorsionada de la realidad, era una figuración neo-expresionista, porque cuando tú pintas lo haces porque así lo sientes, porque quieres representar la esencia  de las cosas y eso es lo que estoy haciendo en este momento: representar la esencia de la pintura, de lo que a mi me gusta. A lo mejor dentro de un año regreso a la figuración pero por los momentos me siento muy cómodo en la abstracción.

GLR:

En tu obra, tanto figurativa como abstracta, hay una gran predominio de las texturas, te facilitan éstas, de alguna manera, resolver la obra?

PS:

 No. Yo pienso que la obra se puede resolver sin textura, lo que pasa es que un pintor, hoy día, debe adaptarse al momento en que vive. Las texturas transmiten, para mi, muchas más emociones; ellas te incitan a entrar en la obra. Para mí son un medio de comunicación con mi público.

GLR: Tú preconcibes el cuadro que vas a pintar??

PS: 

Yo nunca pienso en lo que voy a hacer. Yo me pongo frente a la tela y comienzo a intervenirla  y la obra va surgiendo poco a poco, casi sola.Nunca hago bocetos de lo que voy a pintar, mi pintura es visceral, estomacal. Mis pinturas son una tortura, sufro muchísimo  mientras las hago, una vez terminadas sufro el síndrome del “día después”, es decir, vuelvo sobre la tela para asegurarme de que está bien acabada.

GLR: 

Si la obra no te gusta o te parece mal acabada, qué haces con ella? La destruyes?

PS:

Si, la destruyo inmediatamente. Y es que creo que un artista debe hacer una obra de arte buscando la excelencia. Si uno se conforma con algo mediocre eso significa que todo el trabajo será mediocre, en cambio, si la destruyes puedes llegar a optimizarla.GLR: Ello es producto de la autocrítica?PS: Si, por supuesto. Yo soy muy autocrítico, por eso prefiero destruir una obra que  considero mal hecha o mala antes de mostrarla al público.

GLR:

Cual es el proceso que sigues para elaborar una obra?

PS: 

Me enfrento directamente a la tela y allí van saliendo cosas y ellas te comunican otras y así van saliendo poco a poco. Lo importante es que el artista sienta el “feed back” que produce la obra. La obra tiene su propio lenguaje y se va apropiando de los espacios de la tela.GLR: Tus obras las elaboras en función de saber que las venderás o simplemente porque sientes la necesidad de hacerlo?PS: Yo hago las obras porque siento la necesidad de hacerlo. Yo nunca sé si mis pinturas se venderán. Yo soy el primer sorprendido cuando se venden. Yo pinto porque necesito hacerlo. Si yo pudiera pasarme las 24 horas elaborando telas, sería maravilloso. Mi peor tortura es cuando abandono el taller ya sea para comer o dormir o viajar. Cuando viajo no me desconecto. Yo sufro cuando no estoy en el taller. Yo he llegado a la conclusión de que no estoy absolutamente obsesionado  con la pintura. La única relación estable que tengo es con mi trabajo, otras relaciones a nivel afectivo se me dificultan mucho. ¡ Mi mundo es la pintura!

GLR: 

Cómo surge esta nueva etapa geométrica?

PS: 

Esta nueva manera de expresarme siempre ha estado allí. Yo he visto mucha geometría pero la he encontrado fría, estática, entonces pensé en la posibilidad de hacer una geometría que fuese dinámica (¡Nada que ver con el cientismo, claro está!). Hay muchas maneras de hacer geometría pero muchas veces se puede caer en el aburrimiento, por eso decidí hacer algo que tuviera más que ver conmigo. Los fondos texturizados muy informalistas, combinados con las formas geométricas monocromáticas producen una combinación interesante y compleja, además de  ser muy dinámica. Comencé  en esta tendencia a comienzos de este año y cada día van saliendo cosas más interesantes.

GLR: Con esta “abstracción matérica”,, por calificarla de alguna manera, aún hay mucho de gestualidad y espontaneidad, tanto en los fondos como en las formas, en éstas se percibe claramente el trazo de la brocha y la acumulación de materia pictórica, no es ello producto de tus recuerdos figurativos?

PS: 

Si, por supuesto, no cabe duda, aun cuando yo quiera hacer geometría deslastrándome de mis antecedentes figurativos, ellos reaparecen inconscientemente, sin que yo me percate de ello. De repente veo la obra y esos elementos están allí y no los borro porque ellos forman parte de mi manera de hacer pintura.

GLR: 

Sientes que esta nueva etapa de formas geométricas podría limitarte en tu proceso pictórico?

PS: 

Para nada, más bien pienso que me da muchas posibilidades.

GLR:

Te preocuparía hacer una retrospectiva de tu obra y que en ella se sienta que se conjugan “varios” artistas?

PS: 

No, yo pienso que mi obra tiene una huella, una impronta. Un coleccionista puede tener varias de mis pinturas de diferentes etapas y saber, por la manera como manejo los materiales, que siempre soy yo. Y en una retrospectiva el público, en general, también se percataría de eso.Más bien creo que el público pensaría que allí está presente un artista con varias personalidades